L’introduction du Hip-hop en France était à peu près aussi hip-hop qu’on peut l’imaginer. En novembre 1982, un groupe important de la première vague de stars du hip-hop débarque à l’aéroport d’Orly à Paris pour la première tournée internationale de hip-hop, le New York City Rap Tour. Après avoir fait la queue à l’aéroport pour prendre le bus de tournée, Fab 5 Freddy, FUTURA 2000 et Dondi White ont décidé de personnaliser leur bus de tournée Europe 1. Fab et sa troupe ont annoncé leur arrivée à Paris en taguant le bus, qui allait effectivement rouler dans toute la France, annonçant par la même occasion l’apparition du hip-hop pendant la tournée, ouvrant ainsi la voie à une culture mondiale du hip-hop.
Fab et les autres New-Yorkais ont apporté le hip-hop en France, mais les français ont contribué à codifier le qui, le quoi et le où du hip-hop national. L’adoption et l’adaptation rapides du hip-hop en France sont basées sur des relations interculturelles authentiques fondées sur la communauté, la musique et le style. Au fur et à mesure de la maturation du hip-hop français, sa culture unique s’est appuyée sur une histoire officielle qu’elle a contribué à créer, renforçant encore l’histoire du hip-hop des deux côtés de l’Atlantique. Au début des années 2000, bouclant une boucle de près de 40 ans de collaboration et d’échanges culturels, la culture et la mode françaises allaient rendre la pareille et commencer à influencer le hip-hop américain.
De Paris à New York
Les multiples connexions personnelles et professionnelles entre les cultures hip-hop française et new-yorkaise ont commencé au début des années 1980 dans le centre de Manhattan. Deux ressortissants français, Bernard Zekri et Jean Karakos, se sont installés à New York et ont été captivés par la culture hip-hop. Zekri et Karakos ont tous deux participé à l’écriture, la production et la vente de musique. Puisque les deux hommes travaillaient dans l’industrie française des médias et de la musique, ils ont décidé qu’ils pouvaient contribuer à apporter cette nouvelle culture captivante en France. Pour Zekri, “la culture hip-hop annonçait un art de réutilisation, de récupération, de mixage, de copier-coller, toutes ces choses que nous ferions avec l’internet, une forme de pillage”, et il voulait prendre part à l’action.
Bernard Zekri est arrivé à New York en 1980. Il a d’abord travaillé dans un restaurant, le Wine Bar, dans East Village, puis a écrit pour le magazine français Actuel. Il passait ses nuits à se balader dans des clubs du centre-ville comme le Danceteria, le Club Negril et le Roxy, tous fréquentés par des b-boys et des b-girls. Zekri s’est lié d’amitié avec Afrika Bambaataa et a obtenu un “Bronx Pass” officiel du fondateur de la Zulu Nation, donnant ostensiblement à Zekri la liberté de voyager dans le quartier d’origine du hip-hop. En septembre 1980, Jean Karakos, à la tête du label parisien BYG, part pour New York, où il rencontre Zekri et fonde Celluloid Records. Cette relation va offrir des opportunités d’enregistrement aux pionniers du hip-hop new-yorkais, dont FUTURA, Grandmixer D.ST., PHASE II et Fab 5 Freddy, entre autres. Les liens établis entre Zekri, Karakos et une liste de pionniers du hip-hop basés dans le Bronx conduiront à la première tournée internationale du hip-hop.
Les sorties Celluloid Records dans le sens des aiguilles d'une montre en partant du coin supérieur gauche : PHASE II, "The Roxy" (1982) ; Fab 5 Freddy and Beside, "Change the Beat" (1982) ; Grandmixer D.ST., "The Home of Hip Hop" (1985) ; Futura 2000, "The Escapades of Futura 2000" (1982).
Le New-York Hip-Hop tour
La connexion entre les pionniers du hip-hop du Bronx, la boîte de nuit Roxy du centre-ville, et Zekri et Karakos a donné lieu à la première tournée internationale du hip-hop, The New York City Rap Tour, en novembre 1982. Pendant deux semaines, la tournée a ramené Zekri et Karakos dans leur France natale, en se produisant dans dix villes françaises, ainsi que deux spectacles à Londres. David Hershkovits, qui a fait la chronique de la tournée pour le Sunday News en 1982, la décrit comme un succès en matière de communication interculturelle, écrivant que “le public se met à danser et en quelques minutes les frontières fondent dans la chaleur de l’explosion soul-sonic”.
Les Double Dutch Girls (devant) avec Afrika Bambaata (derrière, au centre) et Grandmixer D.ST. (arrière, gauche) en France pendant la tournée (1982) // dailyrapfacts.com
Planter la culture hip-hop en France était l’objectif principal de la tournée selon le fondateur du Roxy et coproducteur du New York City Rap Tour, Kool Lady Blue. Elle a déclaré : “L’idée est de faire danser tout le monde. Ce n’est pas un groupe qu’on fait venir. Nous ne voulons pas que les gens restent debout et regardent. Nous voulons que les gens participent. C’est plus une fête qu’un concert.” Lorsque Kool Lady Blue a mentionné la danse et la participation, elle faisait référence au type de danse inclusive qui a eu lieu au Roxy, qui comprenait des routines de break complet et des mouvements spontanés. Par conséquent, la ligne de démarcation entre les membres du public et les artistes n’a jamais été fixée et a été facilement franchie tout au long de la tournée. La répartition des rôles entre l’artiste et le public pendant la tournée a permis au public français de transformer le hip-hop américain en un acte culturel local, que ce soit par une participation réelle ou par des actes d’imagination.
Une nuit classique au Roxy, New York (1982) // hiphopphotomuseum.com
Pendant la tournée, le légendaire b-boy Crazy Legs of the Rock Steady Crew s’est souvenu d’une interaction : “Ce mec vient me voir et me dit qu’il veut aller à New York pour apprendre à faire du break à l’école. Et je lui dis qu’on a tout inventé, et il ne me croit pas”. Le contexte de cette interaction était la consigne implicite de Crazy Legs pour que le public sorte et crée sa propre version du break, et par extension de la culture hip-hop. En une brève interaction, répétée encore et encore tout au long de la tournée, Crazy Legs et ses collègues ont pu communiquer le message du programme culturel d’autoreprésentation du hip-hop, donnant à chacun la possibilité de façonner la culture hip-hop de n’importe quelle manière qui soit, personnellement et culturellement authentique. Le hip-hop étant de plus en plus intégré à la musique rap aux États-Unis, la France a défendu et promu le break et toutes les formes de danse urbaine sous le nom de “hip-hop”. Ironiquement, la France a maintenu l’esprit des éléments culturels de l’autoreprésentation du hip-hop, même s’ils ont été négligés tout au long des années 1980 et 1990 aux États-Unis.
Crazy Legs se rafraîchissant dans les coulisses d'un des spectacles du New York City Rap Tour (1982) // dailyrapfacts.com
Avant la tournée, Zekri a écrit la plupart d’une série d’articles expliquant la culture hip-hop et dressant le profil de certains des principaux initiateurs pour le journal français La Libération. Du 24 au 31 octobre 1982, la “Semaine du Rap” a fourni le contexte social, culturel et historique permettant au public du journal de comprendre la tournée à venir. La “Semaine du Rap” de La Libération a permis au public français de s’initier à la culture hip-hop, tout en établissant les limites de ce qui constitue la culture hip-hop.
Premier jour de la "Semaine dans le rap" publiée dans La Libération, 25 octobre 1982 // archives personnelles de l'auteur
L’article du tour de force de la série de La Libération a mis en évidence l’importance des produits de consommation, des lieux et de la création culturelle comme éléments fondamentaux de l’expression hip-hop. Zekri a fait un tour du monde du hip-hop, du Bronx au centre de Manhattan, à partir d’une paire de baskets portées par un résident fictif de New York, “Big Ray”. Zekri a conclu l’article avec son récit en révélant que “mon nom est Addidas [sic]”. Zekri a écrit du point de vue d’une paire de baskets adidas parce qu’il était réellement intéressé et investi dans la culture hip-hop. Zekri a reconnu que les baskets adidas à embout coque faisaient partie de la mode et de la fonction hip-hop parce qu’elles allaient dans les jams et les clubs et s’immergeait dans la culture. Cimentant la bonne réputation de Zekri, son article a été publié près de quatre ans avant la sortie du célèbre “My Adidas” de Run-DMC.
Pour le dernier article de la série, “Fashion Moda”, l’écrivain Bustelo Thibaudat s’est penché sur la mode hip-hop en présentant les “vêtements nécessaires à la mode rap”. Bustelo a décrit la place centrale de la mode et du style dans le hip-hop, en présentant le hip-hop comme une forme totale d’expression culturelle qui inclut également la mode. Bien sûr, les sneakers ont reçu la plus grande partie de l’attention de l’article. En plus de choisir entre différentes marques de sneakers, a expliqué M. Bustelo, le passionné de hip-hop devait déterminer s’il devait ou non représenter avec des chaussures de tennis ou de basket. Et, pour compléter le panorama de la mode, les lecteurs ont été informés que la marque et la silhouette des baskets ne suffisaient pas ; le “détail décisif” de la mode des baskets du début des années 80 était les lacets. La marque et la silhouette déterminaient si les lacets étaient noués ou non, ou s’ils étaient complètement enlevés. Peu importe la préférence pour les sneakers, Bustelo a confié à ses lecteurs que “toutes les chaussures étaient faites pour la danse”.
"Fashion Moda", La Libération 30-31 octobre 1982 ; (Droite) "Mister Freeze et Misses Blue", 28 octobre 1982 // archives personnelles de l'auteur
“Fashion Moda” a même créé la version journalière de la “fit pic”, basée sur la forme et la fonction. Après avoir choisi des sneakers, les styles de pantalons ont été recommandés en fonction de votre activité hip-ho : des shorts et des pantalons de kung-fu pour les breakers, et des survêtements en coton ou en nylon pour les DJ et les graffeurs. Pour couronner le tout, le choix était de porter ou non un polo Lacoste avec un sweatshirt ou un survêtement. Bien que le choix du sweat-shirt ou du survêtement puisse être une décision difficile, l’article informe les lecteurs que “les magasins de sport le long de Broadway et ailleurs proposent une gamme de marques – avec ou sans capuche et fermeture éclair – en plusieurs couleurs”. Les lecteurs français ont reçu un cours accéléré sur la mode hip-hop, avec un guide facile à suivre pour savoir comment le reproduire eux-mêmes. Il faudra encore deux décennies pour que la faveur soit rendue et que la mode française inspire le style des stars du rap américain.
Sidney Duteil et H.I.P.H.O.P.
Fils d’un père musicien de jazz et d’une mère ayant immigré en France depuis la Guadeloupe, une île des Caraïbes, Sidney Duteil est devenu la personne la plus importante à avoir fait découvrir le hip-hop en France. Comme beaucoup d’autres dans le hip-hop, tout s’est fait sur le rythme.
Tout au long des années 1970, Duteil a perfectionné ses talents de DJ dans les clubs et les bars de Paris, dont le Rocco Club. Il s’est ensuite tourné vers d’autres clubs après que le gérant du Rocco Club ait refusé d’investir dans une autre platine, limitant ainsi ses possibilités. Son prochain show fût dans un club franco-américain de Montparnasse, La Bohème, spécialisé dans les 45 tours soul et funk pour la clientèle majoritairement américaine. Son passage à La Bohème lui a permis de découvrir les nombreux samples et breakbeats que la première génération de DJ hip-hop allait utiliser pour créer le genre. En 1980, Duteil était DJ au club de l’Emaraude, et était l’un des deux ou trois autres DJ de Paris, et de toute la France, qui utilisaient deux platines pour prolonger les breaks des chansons afin de créer quelque chose de totalement nouveau, le hip-hop. Ainsi, lorsque le New York City Rap Tour est arrivé en 1982, Duteil était prêt à aider à pousser le hip-hop plus loin dans la vie culturelle française.
Après la tournée, Duteil animera H.I.P.H.O.P., la première émission de télévision française consacrée à la culture hip-hop. Créée en 1984, l’émission a été diffusée chaque semaine pendant plus d’un an. L’émission de Duteil présentait divers artistes et spectacles musicaux français et américains, ainsi que du break, et une variété de participation du public et d’enseignement de la culture hip-hop. À la fin de l’émission en 1985, le programme de Duteil avait fourni un exemple pour que les jeunes de toute la France puissent créer leur propre style d’expression hip-hop.
Sidney Duteil (1984) // Sophie Bramly, ushistoryscene.com
Dès le premier épisode de la série, Duteil a éduqué son public sur la forme et le son du hip-hop, et sur les communautés et les quartiers que le hip-hop considère comme chez eux. Chaque épisode de H.I.P.H.O.P. était d’une durée de quinze minutes et comprenait trois segments : un segment d’introduction à l’interview d’un invité de marque, un segment appelé “La Leçon”, suivi de “Le Défi”.
FUTURA interviewé par Sidney Duteil, H.I.P.H.O.P. épisode 4 (1984) // interview personnelle de l'auteur
FUTURA interviewed by Sidney Duteil, H.I.P.H.O.P. episode 4 (1984) // author's personal archvie
“La Leçon” mettait en scène Sidney et quelques b-boys français donnant une leçon de culture hip-hop. Généralement, ces parties étaient consacrées à la danse, mais elles proposaient également des tutoriels sur la façon de rapper, de faire du DJ et de s’habiller correctement.
Image du titre "La Lecon", H.I.P.H.O.P. épisode 5 (1984) // archives personnelles de l'auteur
Le troisième élément, “Le Défi”, l’histoire de la compétition et des battles dans la culture hip-hop. Chaque défi mettait en scène deux jeunes concurrents issus de quartiers et de banlieues de Paris et présentant une grande diversité raciale et ethnique. Il est important de noter que chaque participant était habillé comme un modèle de b-boy des années 1980, avec des baskets, un survêtement ou un pantalon de survêtement, et un polo ou un sweat-shirt. Cimentant le lien entre la mode, le hip-hop et les biens de consommation, le gagnant du “Défi” repartait toujours avec une tenue de marque, notamment des baskets adidas et un survêtement d’une gamme de marques populaires comme Reebok et Champion.
Image du titre "Le Defi", H.I.P.H.O.P. épisode 4 (1984) // archives personnelles de l'auteur
H.I.P.H.O.P. a également servi à entretenir les relations personnelles tissées entre les producteurs de disques et les artistes à New York et à Paris. Presque tous les artistes et invités du programme avaient tissé des liens internationaux entre le Bronx, le centre de Manhattan et Paris. Beaucoup d’invités avaient une relation formelle avec Celluloid Records et le cerveau français du label : Bernard Zekri et Jean Karakos. Il n’est pas surprenant que la plupart de ces artistes aient été présentés sur H.I.P.H.O.P.
Le lieu est l’espace
Les échanges culturels, les résonances et l’adoption rapide dans la pratique et dans les médias en France à la suite du New York City Rap Tour n’auraient pas été possibles sans une base matérielle, culturelle et spatiale similaire à Paris et à New York. Situés en périphérie de Paris, les ensembles de logements sociaux – les banlieues – ont fonctionné de la même manière que les logements sociaux dans le Bronx et à New York, des lieux de plus en plus utilisés pour la ségrégation selon la race et la classe et où le hip-hop américain s’est épanoui. Pendant la tournée, Mr. Freeze, le b-boy du Bronx, né en France, a conseillé les autres membres de la tournée : “Ici, la police peut vous tirer dessus si vous ne vous arrêtez pas quand elle vous appelle.” Le message sous-jacent de l’avertissement de M. Freeze mettait en relation les expériences des jeunes new-yorkais majoritairement non blancs qui ont grandi sous la menace de la violence sanctionnée par l’État avec les populations majoritairement non blanches et immigrées des banlieues parisiennes.
Mister Freeze en concert lors du New York City Rap Tour (1982). Il se produisait souvent avec un maquillage de mime car il pensait que le mime et le travail de Marcel Marceau étaient directement liés au break // dailyrapfacts.com
Représentant le cœur culturel du hip-hop, Afrika Bambaataa et sa Zulu Nation ont pu influencer le hip-hop français grâce à une compréhension commune de la vie vécue en marge de la société sur les plans social, politique et géographique. Bambaataa a fondé la Zulu Nation dans le quartier de Bronx River Houses, dans le Bronx, en 1973. L’objectif de Bambaataa était d’organiser les différentes cultures des jeunes des communautés pauvres et ouvrières qui constituaient le hip-hop sous la bannière de la Zulu Nation. En partie pom-pom girl, en partie historienne culturelle et en partie exécutrice, Bambaataa et la Mighty Zulu Nation ont d’abord fait la promotion du hip-hop comme étant avant tout ancré dans les lieux. Dans le cadre de la tournée de 1982, Bambaataa a pu établir des liens et planter des graines en se basant sur les affinités culturelles et géographiques entre les banlieues.
Deux ans après la tournée, la Zulu Nation d’Afrika Bambaataa a officiellement ouvert un nouveau chapitre à Paris. En 1984, le pionnier du hip-hop français DJ Dee Nasty devient le Grand Maître de Zulu Nation France et sort le premier album hip-hop français, Paname City Rappin’. Dee Nasty allait nourrir et produire la vague suivante de hip-hop français, notamment les groupes Les Little et Assassin, dont le contenu était thématiquement similaire au prosélytisme hip-hop de Zulu Nation, associant la connaissance de l’histoire et de la géographie du hip-hop à la création culturelle. Chacun de ces groupes et artistes se comprenait et se représentait à travers la culture hip-hop, tout en représentant la vie dans les banlieues, continuant à fournir un modèle créatif pour la prochaine vague de hip-hop français.
La mode règne en maître
Le hip-hop a toujours été orienté vers la mode, et la mode a toujours trouvé son inspiration (et son appropriation) dans le hip-hop. Des Dapper Dan et Lo Life dans les années 80, à la Phat Farm et FUBU dans les années 90, en passant par l’émergence des spécialistes du hip-hop qui fréquentent les défilés et la chute des frontières entre le streetwear et le luxe. Un demi-siècle plus tard, nous célébrons toujours Biggie en BAPE, Raekwon sur le podium pour Tommy Hilfiger, et Tupac sur défilant pour Versace à Milan, alors que tous leurs successeurs sont étroitement liés aux mouvements de la mode actuelle.
Comme la mode et le style font partie intégrante de la culture hip-hop, il est logique que la culture hip-hop américaine et ses stars se retrouvent encore à Paris et en France. Historiquement, la France a toujours été un pays beaucoup plus accueillant pour les différentes communautés culturelles, en particulier les artistes noirs, que l’Amérique de Jim Crow et le fléau persistant de la suprématie blanche après l’ère des droits civils. Mais les critères sont différents, en particulier pour les célèbres stars du rap américain. Il était une fois des artistes noirs qui recherchaient la liberté et un relatif anonymat dans un milieu d’expatriés. De nos jours, une visite en France représente un mélange de richesse, de sophistication et de style.
L’incursion du hip-hop américain dans le monde de la haute couture commencera sérieusement dans les années 1990 avec des tendances hip-hop telles que Wu Wear et la ligne Sean John de Diddy. Au début des années 2000, Jay-Z, Diddy et Kanye West sont des habitués des défilés de mode. Même Diddy a remporté le CFDA 2004 pour son travail avec Sean John. Dans les années 2010, le hip-hop et la haute couture sont devenus des partenaires culturels réciproques, s’inspirant l’un de l’autre. Bien sûr, Kanye et ses collaborateurs en sont venus à symboliser la synthèse du hip-hop et de la haute couture ; on peut bien sûr retracer cette émergence en partie en France et à Paris.
Avant que Jay-Z et Kanye West enregistrent l’un des records les plus marquants et les plus explosifs avec “Niggas in Paris”, Kanye avait fait un important pèlerinage à la Paris Fashion Week. En 2009, Kanye, Virgil Abloh, Don C, Taz Arnold, Chris Julian et Fonsworth Bentley sont arrivés à la Fashion Week de Paris comme des prophètes revenus d’un siècle futur. Le photographe Tommy Ton a pris la photo du groupe emblématique et l’a publiée sur son blog, déplaçant le centre de l’univers de la mode hip-hop des États-Unis à Paris. En considérant cette photo une décennie plus tard, c’était vraiment une vision de l’avenir. Chaque homme de la photo, à sa manière, a contribué à relier les mondes du hip-hop, du streetwear et de la haute couture.
Don C, Taz Arnold, Chris Julian, Kanye West, Fonzworth Bentley et Virgil Abloh, Paris (2009) // Tommy Ton, nicekicks.com
Outre Kanye, Abloh est sans doute celui qui a le plus influencé l’ascension du hip-hop sur la direction créative du streetwear et de la haute couture. Oui, A$AP Rocky, Tyler, The Creator et bien d’autres sont des figures clés, mais Abloh est clairement le roi. En 2018, Abloh a lancé sa première collection en tant que directeur artistique de la mode pour homme de Louis Vuitton au Jardin du Palais Royal pendant la Fashion Week de Paris. La nomination d’Abloh chez Louis Vuitton n’a pas été sans controverse, mais elle a signalé la légitimité du hip-hop et du streetwear dans le monde de la haute couture. Parmi les nombreux mannequins qui ont suivi, on comptait les amis hip-hop d’Abloh, notamment Kid Cudi, Theophilus London, Playboi Carti, le rappeur franco-britannique Octavian et A$AP Nast. Le show d’Abloh n’était pas la première fois que des rappeurs déambulaient sur le podium, mais c’était la première fois que le show d’une grande marque de luxe était conçu et exécuté entièrement dans une perspective hip-hop authentique. Pour le défilé de la Fashion Week de Paris 2020 de son label Off-White, Abloh a dévoilé sa toute dernière Off-White x Nike Air Jordan 5 avant la sortie officielle de la paire, prouvant ainsi que Paris continue à être le centre du monde de la mode, et le centre du monde du hip-hop et du luxe, aussi.
Le premier show de LV de Virgil Abloh, Paris (2018) // Getty Images
Le Hip-Hop Aujourd’hui
Depuis 1982, le hip-hop français a développé ses propres formes d’expression et de création. À la fin des années 1990, le hip-hop français a ajouté sa voix au dialogue mondial du hip-hop et a eu un impact sur la culture populaire. La figure la plus importante du hip-hop français est peut-être MC Solaar. Le premier single de Solaar, “Bouge de là”, est devenu disque de platine en même temps qu’il faisait la première partie de De La Soul à Paris en septembre 1991. Il enregistre ensuite avec Missy Elliott et Guru du légendaire groupe de hip-hop Gang Starr. Mais il est surtout reconnaissable à sa chanson “La Belle et Le Bad Boy” de 2001, utilisée dans le dernier épisode de Sex and the City, en plus des épisodes de The Hills, et de True Blood. L’influence de Solaar s’est répercutée sur le hip-hop français et américain avec will.i.am déclarant qu’il préfère Solaar à Tupac.
La génération actuelle d’artistes hip-hop français continue à faire évoluer l’aspect et le son de la culture, à l’instar de figures comme Solaar, et de l’interaction interculturelle initiale établie lors de la tournée hip-hop de 1982 à New York, qui se poursuit encore aujourd’hui. Chacun de ces MCs français combine un style unique et singulier avec un fondement dans les lieux et les expériences de leur vie.
Gambi
Originaire de Fontenay-sous-Bois, en banlieue parisienne, Gambi est l’une des stars montantes du hip-hop français. Il a grandi à Fontenay-sous-Bois, dans le Val-de-Marne, dans le quartier de La Redoute. La Redoute ressemble au campus d’un lotissement de la ville de New York, avec plusieurs bâtiments regroupés autour d’une zone centrale commune en béton. Plusieurs de ses vidéos, dont “Popopop”, ont été tournées dans son quartier. L’année dernière encore, Gambi est devenu le visage de la marque française Afterhomework pour la Fashion Week de Paris.
Lorenzo
Jérémie Serrandour, alias Lorenzo, a grandi à Brest, dans l’extrême nord-ouest de la France. Il est la moitié du duo Columbine. Au-delà de sa musique, Lorenzo se distingue par son sens aigu du style et sa connaissance de l’histoire du hip-hop américain et français. Son album de 2019, Sex and the City, est une allusion évidente à MC Solaar et à la fameuse série. Le single principal de son album est le banger “Nique la BAC”, un compagnon spirituel de l’album “Fuck tha Police” de la NWA, sorti il y a 31 ans.
Heuss l’Enfoire
Suite à l’échec du “Plan Marshall pour les banlieues” de 1996 du président français Jacques Chirac, les logements sociaux sont devenus de plus en plus le lieu d’accueil d’immigrants. Avec le tournant politique de la France vers la droite au cours du dernier quart de siècle, les banlieues sont devenues de plus en plus stigmatisées. Pour Karim Djeriou, plus connu sous le nom du rappeur franco-algérien Heuss l’Enfoirė, c’est la France qu’il connaît. Ayant grandi dans le quartier de La Sablière à Villeneuve-la-Garenne, en banlieue parisienne, Heuss est un personnage arrogant, effronté et égocentrique. Il poursuit la posture de vantardise établie depuis longtemps par le hip-hop. Son plus récent tube, “Khapta” (qui signifie “ivre” en arabe), passe dans tous les clubs et vante les vertus de l’excès.
L’endurance de la culture hip-hop est le résultat de la relation globale entre les États-Unis et la France. L’héritage de la première tournée internationale du hip-hop à travers la France est celui du travail accompli par les pionniers et de la reconnaissance des liens culturels entre les deux pays. Parce qu’il y avait tant de similitudes, des industries des médias et de la musique, un amour de la mode, et des lieux similaires de négligence du design, le hip-hop était un langage commun qui pouvait être facilement transmis et reçu. La France représente le deuxième grand marché du hip-hop après les États-Unis, et l’histoire de la mode et du style français au XXIe siècle, qui a influencé les stars et la culture hip-hop américaines, démontre que cette collaboration culturelle de longue date est devenue un partenariat entre égaux.
Traduction de l’article original.
