Daniel Arsham ist ein zeitgenössischer Künstler, dessen Werk dafür bekannt ist, die Wirkung von Zeit und Wahrnehmung auf Objekte, Räume, Ideen und sein Publikum zu untersuchen. Arsham gehört zu der neuesten Generation von Künstlern, die aus der Kunstwelt in die Populärkultur eindringen und dank massiver Kollaborationen und einzigartiger Veröffentlichungen mit zugänglichen Sammlerstücken noch weiter expandieren.
Wir freuen uns, eine offizielle, mehrjährige Partnerschaft mit Daniel Arsham ankündigen zu können, die darauf abzielt, die nächste Generation durch die Finanzierung der Kunstausbildung zu unterstützen, aufstrebende Künstler zu fördern und ein Modell für eine faire Vergütung durch Direct-to-Consumer-Releases zu schaffen sowie einen vertrauenswürdigen Sekundärmarkt für Daniel Arsham-Produkte zu etablieren.
Um ein besseres Verständnis für Arshams Arbeit, seinen Prozess und seine Inspirationsquellen zu bekommen, haben wir uns mit ihm im Library Street Collective vor seiner Ausstellung “Turning Wrenches” in dieser Ausgabe von No Curator getroffen.
StockX: Wie würdest du deinen Designprozess beschreiben?
Daniel Arsham: Beim Design geht es eigentlich darum, eine Art Absicht in Kunstwerken zu finden. Das Endziel ist dabei etwas abstrakter.
Ich denke, es gibt einen großen Unterschied in meiner Denkweise darüber, was ein Kunstwerk tun und bedeuten kann, im Vergleich zu etwas Funktionalem wie einem Stuhl oder einem Objekt mit einem bestimmten Zweck. Ich sammle viel Inspiration durch Reisen, Recherchen und einfach durch aufmerksames Beobachten. Es hört sich einfach an, aber ich beobachte ständig, wie die Menschen mit der Welt um sie herum interagieren, sozusagen die Magie im Alltäglichen. Und das ist etwas, wonach ich ständig Ausschau halte.
Wann hast du damit begonnen, dich voll und ganz deiner kreativen Arbeit zu widmen?
Ich fing an, mich ganz bewusst meinem Handwerk zu widmen. Nach der Highschool ging ich auf die Cooper Union in New York, und das war eine Entscheidung, bei der es wirklich darum ging, eine Zukunft in dieser Art von Kunstuniversum zu finden.
Was war die erste Skulptur, die du geschaffen hast, und wie ist sie entstanden?
Das erste fiktive archäologische Objekt, das ich gemacht habe, war ein Abguss einer Kamera. Das ist jetzt etwas mehr als 10 Jahre her. Dabei ging es um die Idee, unsere eigenen Erfahrungen in eine fiktive Zukunft zu verlagern. Als ob man tausend Jahre in die Zukunft gehen könnte und die Überreste, die archäologischen Relikte des eigenen Lebens, der eigenen Erfahrung, sehen könnte. Anschließend hat sich das Ganze fortgesetzt und weiterentwickelt.
Wie hat es sich in diesen 10 Jahren verändert? Wie hat sich der Entstehungsprozess verändert?
Was die Veränderung angeht, so hat es ja viel mit meinem Können zu tun. Der erste Abguss, den ich von einer Kamera gemacht habe, wurde in Vulkanasche erstellt. Ich erinnere mich, dass ich sie gegossen hatte und als ich am nächsten Tag ins Studio zurückkam, war sie irgendwie geschmolzen und hatte sich aufgelöst. Und obwohl diese Objekte die visuelle Qualität des Verfalls haben, möchte ich ja nicht, dass sie das weiterhin tun. Sie müssen repariert werden. Ein großer Teil der Weiterentwicklung meines Handwerks bestand also im Experimentieren mit den Materialien im Laufe der Zeit.
Deine Arbeit hat dich schon früher nach Detroit gebracht, die Cranbrook-Ausstellung 2019, The Beach ebenfalls 2019, die Neugestaltung des Library Street Collective im letzten Jahr 2020. Wie haben sich die Dinge für dich jedes Mal verändert, wenn du in die Stadt zurückkommst?
Es ist interessant zu beobachten, wie Detroit in den letzten fünf oder sechs Jahren, in denen ich hierher gekommen bin, gewachsen ist. Für mich ist es unglaublich. Snarkitecture, mein Designstudio, hat diese Galerie [im Library Street Collective] entworfen, und es ist wirklich das erste Mal, dass ich meine Arbeiten in einem von uns geschaffenen Raum ausstellen kann. Die wichtigste Geste ist natürlich dieses Portal an der Vorderseite des Gebäudes.
Ich glaube, dass hier in Detroit eine andere Energie herrscht. Natürlich dreht sich diese Ausstellung um die Automobilkultur, die früher das Rückgrat der Stadt war. Aber es fühlt sich an, als ob sich die Dinge hier immer noch verändern, jedes Mal, wenn ich komme.
Es entwickelt sich ständig weiter. Mir gefällt auch, dass du “ehemaliges Rückgrat” gesagt hast. Was denkst du, was das aktuelle Rückgrat ist?
Ich meine, ich habe das Gefühl, dass es Dinge wie StockX gibt, und vielleicht liegt es auch nur daran, mit wem ich mich umgebe. Aber es gibt hier eine Menge Künstler. Es gibt eine Menge Kultur. Ich habe Leute getroffen, die mich im Café wiedererkannt haben, und sie sagten: “Danke, dass du das in Detroit machst.” Ich glaube, es gibt hier einfach eine Wertschätzung für Kultur, die sich neu anfühlt. Und es steckt so viel Potenzial darin! Das ist äußerst interessant, wenn man von einem Ort wie New York kommt, wo das offensichtlich so sehr Teil des Charakters der Stadt dort ist.
Daniel Arsham – “Ash and Pyrite Eroded Mustang GT”, 2021
Volcanic Ash, Pyrite, Selenite, Hydrostone
72 x 27 x 20 inches
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Daniel Arsham – “Amethyst Eroded Pegasus Sign”, 2021
Amethyst, Quartz, Hydrostone
34.75 x 52 x 4.5 inches
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Daniel Arsham – “Quartz Eroded Gas Pump”, 2021
Quartz, Selenite, Hydrostone
70 x 45.25 x 21.25 inches
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Daniel Arsham – “Bronze Eroded DeLorean”, 2021
Bronze
64.75 x 27.5 x 35.5 inches
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Daniel Arsham – “Grey Selenite Eroded Porsche Poster”, 2021
Quartz, Selenite, Hydrostone
48 x 36.25 x 4 inches
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Was reizt dich an dieser Partnerschaft?
Offensichtlich ist meine Arbeit auf StockX zu finden. Ich kann nur eine bestimmte Menge an Werken produzieren, also wird es von Natur aus eine Art Sekundärmarkt dafür geben, vor allem innerhalb der Editionen. Ich begann, mit den Leuten von StockX zu sprechen, sowohl über die Authentifizierung und Verifizierung meiner Arbeit als auch über mögliche Wege, Künstler und Kreative am Anfang ihrer Karriere zu unterstützen, sei es durch Bildungsinitiativen, durch die Cooper Union oder buchstäblich direkte Unterstützung für Künstler. Ich glaube, sie waren sehr empfänglich für die Idee, einen Teil des Erlöses aus dem Verkauf dieser Kunstwerke zurückzunehmen und dieser Gemeinschaft, die sie wirklich aufgebaut hat, etwas zurückzugeben.
Was sind die Ziele solcher Partnerschaften für deine Arbeit?
Es gibt verschiedene Ebenen einer Partnerschaft. Einige davon waren für mich Kooperationen, die ich mit adidas oder Porsche eingegangen bin. Die Arbeit, die ich mit StockX mache, ist insofern etwas anders, als dass ich sie berate, wie man ein Szenario schaffen kann, in dem Künstler wirklich davon profitieren können, wenn StockX an diesem Markt teilnimmt. Es gibt ein Galeriesystem, und wenn man als junger Künstler versucht, herauszufinden, wie man in einer Galerie ausstellen kann, wie man mit seiner eigenen Arbeit ein Einkommen erzielen kann, ist das am Anfang eine Herausforderung.
Ich denke, dass eine Plattform wie StockX ein großes Potenzial hat, da man den Zwischenhändler in gewisser Weise überspringen kann. Künstler können ihre Arbeit direkt an ein Publikum bringen. Herauszufinden, wie man das genau macht, wird eine Herausforderung sein aber ich finde es großartig zu sehen, dass das Team von StockX wirklich daran interessiert ist, diese Ebene der Unterstützung zu schaffen. Ich denke, es hat in gewisser Weise mit dem Gefühl hier in Detroit zu tun, nicht nur diese Community aufzubauen und zu unterstützen, sondern die Künstler im Allgemeinen.
Da wir gerade von der Größe des Sekundärmarktes sprechen, was ist deiner Meinung nach der Zweck eines Sekundärmarktplatzes für Kunst?
Ich meine, wie ich schon sagte, ich kann nur eine bestimmte Anzahl von Arbeiten machen. Alle Stücke hier sind also buchstäblich individuelle Einzelstücke, und einige von ihnen können bis zu einem Jahr dauern, bis sie im Atelier entstehen. Ich habe mit den Editionen angefangen, weil ich ja ein breiteres Publikum ansprechen wollte. Global. Und auch Menschen, die nicht über diese Art von Ressourcen oder Raum verfügen, um diese Arbeiten zu platzieren.
Ich begann also mit einer Serie namens Future Relic, die aus mehreren Teilen bestand. Und das waren Auflagen von 500 Stück, die schnell ausverkauft waren, und es gab offensichtlich mehr Leute, die sie haben wollten, als ich jemals herstellen konnte. Es geht also zum Teil darum, den Leuten Zugang zu verschaffen, die das Set oder die Sammlung aufbauen wollen. Es ist quasi wie Angebot und Nachfrage. Für mich geht es wirklich nur darum, dass die Menge der Objekte, die ich produzieren kann, von Natur aus begrenzt ist, basierend auf meiner Zeit.
Gibt es in dieser Hinsicht einen Unterschied zwischen Kunst und deinen Produkten?
Am Anfang, als ich mit adidas, Porsche oder Dior zusammengearbeitet habe, gab es vielleicht ein gewisses Zögern bei einigen meiner größeren Sammler, die die Position vertraten: “Wie kannst du dieser Marke oder diesem Unternehmen erlauben, deine Arbeit zu verwenden und diese Produkte zu verkaufen?” Und meine Position dazu war, dass sie eine so große Reichweite haben. Sie sprechen Menschen an, die nicht in der Kunstwelt zu Hause sind, und ich nutze ihre Plattformen, um ein viel breiteres Publikum zu erreichen und sie nicht auszutricksen, sondern Kunst in ihren Alltag zu bringen, durch ein Medium und ein Vehikel, das sie sonst nicht gefunden hätten.
Ich denke, dass die Editionen damit ineinandergreifen. Und das ist nichts Neues. Ich meine, Künstler der sechziger Jahre wie Warhol haben Werke geschaffen, die sich mit den alltäglichen Erfahrungen der Menschen auseinandersetzten. Werbung und Konsumkultur. Warhol war offensichtlich berühmt dafür, Kunstwerke aus dem Medium des Alltags zu schaffen.
Ich bin neugierig, wie es in zehn Jahren aussieht. Nostalgie ist im Moment ein großes Thema, besonders in deiner Arbeit. Wie, glaubst du, entwickelt sich das, wenn jüngere Generationen es in die Kunst einbringen?
Ich meine, für mich gibt es innerhalb meiner eigenen Arbeitsgruppe mehrere verschiedene Interessengebiete. Diese Art von fiktiver Archäologie ist ein Bereich, es gibt eine ganze Reihe von Gemälden, die ich gemacht habe, die andere Konzepte berühren. Und dann gibt es eine Reihe von Arbeiten, die tatsächlich die Architektur manipulieren, zum Beispiel die Oberfläche von Wänden mit sich bewegenden Uhren und Figuren. Ich denke also, dass es für mich in den nächsten zehn Jahren all diese verschiedenen Bereiche gibt, in denen ich mich weiterentwickeln kann, und vielleicht auch ein paar neue Dinge.
Hast du das Gefühl, dass ein Bereich mehr Aufmerksamkeit erregt als andere? Wie verteilt sich deine Inspiration auf diese drei Bereiche?
Yeah. I mean, I meander through these different mediums and concepts. Typically for these kinds of fictional archeology exhibitions, I’ve concentrated on one particular area of focus. So I’ve done shows that were around sports or around music and being that we’re in Detroit, this idea around Motor City [for Turning Wrenches], engaging with this automotive history and my personal interest in these cars.
What do you hope young artists get out of the Daniel Arsham x StockX partnership?
I think one of the big things for me in my own charitable work is around artist support in college. I went to a school that I had a full-tuition scholarship, and that was the primary reason that I was able to go to school in New York, and study with these amazing professors and artists. So we’ve created a scenario where profits from the resale of my work on StockX are going to be pushed back into the artist community through support for education at Cooper Union. I’ve supported Cooper when I could, after I graduated. But I think this is going to be a massive push at a time when a lot of those students need direct support in order to continue this arts education.
Um mehr über die Daniel Arsham x StockX Partnerschaft zu erfahren, klicke hier.
